Интересные факты о русском музее
Список ниже — не строгая рекомендация. Контакты Тел. Гоголь — большую статью, а самого Брюллова окрестили «великим Карлом». Проводя в сыром храме часы напролёт, художник подорвал здоровье и вскоре скончался в возрасте 52 лет. А ещё спустя два года перед ним появился памятник Александру III — массивный и громоздкий.
Коллекция Русского музея. Местная коллекция настолько обширна, что её экспозиции расположились сразу в нескольких зданиях. Чтобы легче было ориентироваться, приводим названия основных корпусов Русского музея: Михайловский дворец Корпус Бенуа Михайловский замок Строгановский дворец Мраморный дворец Центральным корпусом Русского музея считается Михайловский дворец и прилегающий к нему корпус Бенуа, именно в этих зданиях находится основная экспозиция музея.
Расположен Михайловский дворец неподалеку от собора Спас-на-Крови и Грибоедовского канала. Мало времени на музей? Мы все просчитали и составили маршрут на 2,5 часа : сюда вошло только самое-самое. Михайловский дворец. Михайловский дворец и корпус Бенуа — это два сообщающихся между собой здания, соединенные внутренней лестницей. Для посещения экспозиций этих корпусов Русского музея действует единый билет. Войти в Михайловский дворец можно с улицы Инженерной, тогда как парадный вход корпуса Бенуа находится на набережной канала Грибоедова.
Разделены Михайловский дворец и корпус Бенуа скорее тематически, чем архитектурно. Если сказать кратко, то в Михайловском представлены иконы, скульптуры и живопись вплоть до XIX века включительно, а в корпусе Бенуа — современное искусство XX века.
Архитектура дворца. Русский музей. Михайловский дворец был возведен в начале XIX века. Он строго выдержан в стиле ампир. Автором проекта стал известный архитектор того времени Карл Росси.
Войдя во дворец, вы увидите оригинальную отделку вестибюля в том же стиле ампир. Аутентичные интерьеры сохранились и в некоторых залах дворца.
Например, Белый зал украшен настоящей настенной росписью, здесь же вы увидите уникальный паркет и мебель, которые были созданы по проекту России.
Первые несколько залов посвящены древней русской иконописи. Здесь самыми известными работами считаются «Архангел Михаил» неизвестного автора и «Крещение» Андрея Рублева.
Далее вы перейдете в Маленький кабинет, который славится оригинальной отделкой и предметами интерьера. Следующие несколько залов будут посвящены скульптурному искусству — и здесь самой известной работой считается скульптура «Анна Иоанновна с арапчонком» автора Бартоломео Растрелли.
Самые знаменитые экспонаты. Среди того, что стоит посмотреть в Русском музее, отметим портретные работы художников Дмитрия Левицкого и Владимира Боровиковского. Их утонченное искусство не ускользнет от глаз пытливых ценителей. После работ портретистов вы перейдете в залы, посвященные авторам XIX века.
Здесь экспонируются работы художников, имена которых у всех на слуху. Иван Константинович Айвазовский. Корпус Бенуа. Корпус Бенуа имеет не менее захватывающую коллекцию предметов искусства. Он был построен позже Михайловского дворца — в начале XX века, и изначально предназначался только для временных выставок.
Автором-архитектором сооружения является Леонтий Бенуа. Михайловский дворец и корпус Бенуа соединены переходом. Ориентироваться здесь также просто, как и во дворце, поскольку залы сохраняют хронологию. Войдя в корпус Бенуа, вы сразу же окажетесь перед работами Михаила Врубеля. Именно им посвящен первый зал корпуса. Здесь стоит обратить внимание на картину автора «Демон летящий». Далее вы перейдете в залы символистов, а затем к работам Михаила Нестерова. Здесь экспонируется его выдающаяся работа «Святая Русь».
Михайловский сад. Выйдя из корпуса Бенуа или Михайловского замка, в зависимости от того, откуда вы начали осмотр Русского музея, вы окажетесь в Михайловском саду. Идея создания этого произведения пришла к художнику после посещения раскопок Помпей.
История древнего города, погребённого под слоем лавы и пепла в результате извержения Везувия, произвела на Брюллова большое впечатление. Он решил изобразить это событие на огромном полотне и потратил на работу шесть лет.
На картине можно увидеть не только самого художника, но и возлюбленную Карла Брюллова. Это Юлия Павловна Самойлова.
Если приглядеться к женщинам на картине, то в каждом лице можно узнать её черты. Впечатлённый полотном, император вызвал Брюллова в Петербург для работы в Академии художеств и оформления интерьеров Исаакиевского собора. Проводя в сыром храме часы напролёт, художник подорвал здоровье и вскоре скончался в возрасте 52 лет. Не будь картина «Последний день Помпеи» столь успешной, Брюллов мог бы спокойно и благополучно продолжать работать в Италии.
В центре композиции — младенец, прильнувший к телу мёртвой матери, как символ падения старого мира и зарождения нового. Справа и слева — жители римской провинции, застывшие в вечном ужасе перед лицом стихии. Среди них христианский священник, олицетворяющий новую веру. Брюллов противопоставляет ему языческого жреца, убегающего с храмовыми реликвиями. В толпе также можно заметить художника с ящиком красок на голове — это автопортрет Брюллова. После невероятного успеха в Европе работу высоко оценили и в России.
Николай I захотел лично познакомиться с её автором, А. Пушкин посвятил ей стихотворение, Н. Гоголь — большую статью, а самого Брюллова окрестили «великим Карлом». Девятый вал — это самая страшная волна во время шторма. Так гласит поверье, бытующее среди моряков. Родившийся и выросший на черноморском побережье Айвазовский наверняка был с ним знаком.
По одной из версий, он стал свидетелем свирепого буйства стихии во время морского путешествия по Европе. Кстати, в прессе тогда даже ошибочно была распространена информация, что художник погиб! За свою жизнь Айвазовский написал около полотен, среди которых большая часть — морские пейзажи. Однако эта работа занимает особое место в его творчестве. Несмотря на огромные размеры три на два метра , она была написана всего за 11 дней!
И сразу стала настоящим хитом — на неё приходили посмотреть по несколько раз в неделю. По успешности это произведение можно сравнить только с брюлловским «Последним днём Помпеи». Вместе с этой работой в русском искусстве родилось новое направление — реализм.
Ранее никто и никогда не пытался изобразить тяготы простого народа на большом полотне. Репин не просто показал труд бурлаков без прикрас — он усилил гнетущее впечатление за счёт плывущего в противоположном направлении буксира, который призван облегчить их участь, но по какой-то причине не используется.
Репин так драматично прописал героев, что в следующие два факта трудно поверить. Во-первых, живописец не ставил своей целью показать социальную несправедливость. Его просто вдохновил образ волжских работяг. Во-вторых, этот труд был добровольным, высокооплачиваемым за сезон судоходства можно было заработать на безбедную зиму и, как бы сейчас сказали, «проектным» бурлаков приглашали, если баржа садилась на мель.
Произведение было представлено на Всемирной выставке в Вене , прославив Репина в Европе. После этого картину, в которой публика увидела критику имперского строя, приобрёл великий князь Владимир Александрович.
Многие годы она висела в бильярдной его дворца. Это одна из нескольких картин Васнецова, написанная по мотивам былины об Илье Муромце. Первую работу художник закончил в году и представил на выставке, однако остался ей недоволен.
А спустя пять лет написал того самого «Витязя на распутье», который сегодня признан шедевром и выставлен в Русском музее. Всегда считалось, что эта картина о трудности выбора. Но если прочитать надпись на камне, то выходит, что выбора у витязя нет. Надпись гласит: «Как пряму ехати, живу не бывати, нет пути ни проезжему, ни прохожему, ни пролётному». Виктор Васнецов считал «Витязя на распутье» самой удачной своей работой.
Недаром сюжет этой картины воспроизведён на надгробии художника на Введенском кладбище в Москве, ведь именно с неё и началось его собственное распутье, когда он ушёл от жанровой бытовой передвижнической живописи к исторической, основанной на фольклорной тематике. От предыдущих картина года отличалась размером Васнецов увеличил полотно и несколькими важными деталями: пропала дорога, по которой пришёл витязь, и распутье с тремя тропинками. Сам богатырь теперь изображён спиной к зрителю в предыдущих версиях — лицом или вполоборота.
А от текста на камне, прежде предвещавшего три варианта развития событий женитьбу, богатство и смерть , остался лишь один — самый мрачный.
О символических значениях этих изменений спорят до сих пор. Однако большинство сходится во мнении, что Васнецов хотел усилить ощущение судьбоносности выбора, который стоит перед героем. Всего, по разным оценкам, существует до десяти версий картины. Одна из них выставлена в Серпуховском историко-художественном музее. Суриков взял за основу сюжета для картины трагический эпизод, когда после череды кровопролитных битв с французами и изнурительных горных переходов измотанному войску под командованием А.
Суворова оставалось преодолеть последний перевал — Паникс. Глубокой осенью года в Альпах уже стояли морозы. Впереди — пугающая бездна, вокруг — снегопад и сильный ветер, отступать нельзя.
Этот переход занял сутки и унёс жизни как минимум двухсот человек. Если присмотреться к фигуре Суворова на коне, то можно заметить, что он улыбается. Полководец юмором вдохновляет верных солдат на подвиг, подбадриваемые им, они летят в бездну. И их готовность следовать за командиром поражает! Сам Суриков называл свою картину «подвигом под шутку полководца». Живописец завершил полотно в году — как раз к столетию Швейцарского похода Суворова.
В том же году картину купил Николай II для недавно учреждённого Русского музея. Художник работал над картиной около четырёх лет. За это время он несколько раз ездил на место событий: рисовал альпийские пейзажи с натуры и даже скатывался со снежных склонов, чтобы представить, что чувствовали участники похода. Такое погружение в тему позволило очень точно изобразить эмоции и позы солдат, а также горный спуск, для многих из них оказавшийся смертельным.
Это полотно необычно и из-за вертикальной ориентировки холста, нетипичной для того времени и для этого жанра.
Таким образом автор хотел усилить ощущение неудержимого падения в пропасть. Этот пейзаж не был написан с натуры и не существовал в действительности. Это обобщённый образ планеты Земля, порождённый фантазией Рериха. Идея картины возникла у Рериха в период, когда он работал над оформлением постановки оперы «Валькирия» Рихарда Вагнера.
В первоначальном эскизе художник изобразил фигуры могучих дев-воительниц, сражающихся в небесной выси. Однако в окончательном варианте отказался от излишней литературности. Поэтому в картине «Небесный бой» в бесконечном пространстве причудливо клубятся цветные облака.
Публика посчитала полотно, полное тревоги и созданное незадолго до Первой мировой войны, пророческим, а писатель Максим Горький даже назвал художника «великим интуитивистом». Как и на других его картинах, главное место здесь отведено цвету. Кучевые облака, занимающие большую часть холста, написаны на контрасте светлого и тёмного, холодного и тёплого, что подчёркивает нереальность пейзажа.
Они конфликтуют и одновременно гармонируют друг с другом. При этом основное чувство, которое остаётся от созерцания работы, — тревога. Вероятно, изображение неспокойного неба — это авторская попытка передать собственные переживания, связанные с ощущением предстоящей войны.
Самый удивительный факт, связанный с этой работой, — Кустодиев написал её будучи прикованным к инвалидному креслу из-за тяжёлой болезни. Несмотря на это, ему удалось создать шедевр.
И, кстати, всего за несколько дней! Образ состоятельной купчихи списан с соседки Кустодиева. Модель была молода и не отличалась выдающимися формами. Живописец сознательно прибавил ей возраста и веса. Первое — для солидности, второе — для красоты: худоба, как он говорил, его не вдохновляла. К слову, из-за обилия пышнотелых красавиц на кустодиевских полотнах художника даже называли русским Рубенсом. Для одних эта работа — ностальгия по богатой купеческой жизни.
Для других — карикатура на «третье сословие». Последнее мнение было особенно распространено в советское время. Сейчас искусствоведы склонны считать, что таким образом художник прощался со старым миром, которого не стало после революции года. На этом полотне запечатлён трагический эпизод Гражданской войны: раненный в битве комиссар умирает на руках бойца, в то время как возглавляемый им отряд красноармейцев продолжает сражение.
В созданных художником образах заложены идеи преданности идеалам революции. Именно такую задачу поставил перед ним революционный военный совет, заказывая картину к летию Красной армии.
Петров-Водкин прекрасно справился, что принесло ему всеобщее признание. В этой работе автор отказался от линейной перспективы, применив особый метод построения пространства — «сферический». В его основе — ощущение мира как единого целого. Используя этот приём, автор создаёт дополнительный объём и динамику и как бы выводит единичное событие, изображённое на полотне, на новый, планетарный уровень. До начала Великой Отечественной войны Дейнека жил в Севастополе. С тех пор у него хранились альбомы с зарисовками, сделанными в крымский период.
Именно они послужили основой для этой работы. А стимулом стали фотографии разрушенного города, которые он увидел в начале года. Дейнека не стремился к реалистичности в изображении битвы, но хотел достичь достоверности в движениях и ракурсах советских воинов, раз за разом рисуя человеческое тело с натуры.
